Homenaje a Suma Paz en la Peña del Colorado

“Póngase detrás del canto, nunca se luzca usted” fueron los consejos de Don Atahualpa Yupanqui para Suma Paz. Suma tomo este consejo y desde ese lugar construyó una trayectoria de más de cuarenta años, en la cual se gano el respeto y el cariño de todos, gracias a su respetuoso, comprometido y silencioso trabajo. A tres meses de su partida, en La Peña del Colorado, tuvo su homenaje.
El homenaje que se llevó a cabo el lunes 13 de julio, contó con la presencia de Coqui Sosa, encargado de abrir el espectáculo con temas como “Yo tengo tantos hermanos”, “Zambita arribeña” y “La pobrecita” en compañía de Ángela Irene en una interpretación exquisita de este tema.
La guitarra de Carlos Martínez continuo con el homenaje, “Cruz del sur”, “Estancia Vieja” y “Campo abierto” son algunas de las canciones que el guitarrista interpreto con su fiel instrumento.
La noche contó con la presencia del hijo de Suma, Mario Olmedo. Tras presentar algunas canciones que la misma Suma cantara en otros tiempos Mario presentó un tema llamado “Sin sol” que según el mismo contó “Le puse música a este poema porque ella me lo regaló a mis 20 años, donde narra cómo yo de chico hacía dibujos en los que nunca aparecía el sol”.
Silvio Fraga, quién fue arreglador y guitarrista del último disco de Suma Paz también fue parte de este homenaje.Otro seguidor de la obra yupanquiana como lo es José Ceña continúo con la noche dedicada a Suma Paz, con quién compartió varios proyectos y días. “Guitarra dímelo tú”, “Duermete changuito” y “Yo quiero un caballo negro”.
Tomás Lipán estuvo en el cierre del espectáculo y también dejó palabras de recuerdos para Suma.
Sin dudas Suma es una de las artistas más importantes de este país, que ha llevado el legado yupanquiano por todo el mundo. Licenciada en Filosofía y letras, poeta y compositora y con más de 40 años de trayectoria se convirtió en una gran artista del canto criollo, por eso tantos amigos y admiradores se juntaron para recordarla y homenajearla como se merece.

El triste adiós a Víctor Ledesma

Reproducimos la nota publicada esta mañana en LA MAÑANA NEUQUÉN.
Gentileza: S.M., El Jume

Muy adentro 'el corazón
donde palpita la vida,
siento como un comezon;
Hai' ser mi prenda querida!

El reconocido autor e intérprete de música folklórica murió el lunes 13 de julio por la tarde en la capital neuquina. Llevaba más de cincuenta años radicado en la provincia.
Nacido en Santiago del Estero, pocos meses atrás había festejado su cumpleaños número 100. En 1995 fue distinguido en el Deliberante.
Neuquén > “Era un tipo muy tranquilo, muy observador. Y tenía esa modorra típica de los santiagueños, esa pasividad que tienen. Era un tipo que te escuchaba, muy sabio. Era de pocas palabras. Pero cuando lo hacía, tenía una madurez musical que te hacía crecer muchísimo”. Así definió Jorge Enei a Víctor Ledesma. Juntos trabajaron en “Toda una vida”, el disco que se editó en Neuquén y en el que el músico recorrió las canciones que nunca había grabado.
En la tarde de ayer, en el clima seco que había elegido murió Víctor Ledesma. Nacido en Santiago del Estero un 27 de abril de 1909, fue un reconocido autor e intérprete de música folkórica nacional.
Su carrera comenzó desde muy joven, cuando a los 16 años partió de su Santiago natal rumbo a Buenos Aires junto a Ramón García. Trabajaron en un varieté cantando y tocando la guitarra. Allí, bailaban a dos pesos por noche para poder subsistir en las calles porteñas. Al poco tiempo se integró al conjunto nativo que dirigía Saúl López Figueroa en ese entonces y también se unió a una compañía teatral con la que representó obras gauchescas en el teatro Ópera porteño.
Entre sus incursiones artísticas, integró un dúo de danzas con el primer bailarín de la compañía de Andrés Chazarreta, Pedro Jiménez. También actuó en el teatro nacional con la compañía de Enrique Muiño Alippi, junto al maestro Julio De Caro. En aquel espectáculo, cerraban cada presentación con un número de malambo santiagueño.

Encuentro
Su gran compañero artístico fue Rodolfo Martínez, el reconocido cantor de tangos. Juntos, recorrieron gran parte del país y de América durante casi 45 años.
En uno de los regresos a Buenos Aires, en 1935, participaron de la inauguración de LR1 Radio El Mundo, en la calle Maipú 555. A partir de ese momento, actuarían durante nueve años como número estable de la emisora.
Durante algunos años recorrieron América junto a la empresa Toddy y a través de diversas presentaciones radiales consiguieron una gran repercusión popular que los llevó a grabar su primer disco con RCA Víctor.
Entre otras anécdotas, Victor Ledesma actuó para Igor Stravinsky en una noche donde también actuó Atahualpa Yupanqui. También actuó en reiteradas oportunidades en la Casa Rosada. Entre el público de aquellas presentaciones estuvo alguna vez Raúl Alfonsín. Además, actuaron en la quinta presidencial del Olivos para Juan Domingo Perón y Evita.

Alto Valle
En 1963, el dúo Martínez - Ledesma fue contratado para realizar una serie de presentaciones en el Alto Valle de Río Negro y Neuquén. Fue allí cuando quedó impactado por estas tierras. “Se enamoró de Neuquén. Llevaba más de cincuenta años viviendo acá. Se cansó de las giras y un día, de paso por estas tierras, se enamoró del clima. Sufría de los huesos y no soportaba la humedad de Buenos Aires. Era la época que estaba dejando de cantar con Martínez y eligió a Neuquén para disfrutar del resto de su vida”, recordó Enei.

Diosquierita cuando muera
que un viejito violinero
me lo toque chacarera
de mi pago salavinero.

Danzas
Se radicó en la provincia y, en menos de un año, comenzó a enseñar danzas folklóricas y guitarra. Sin embargo, a los pocos años se fue a vivir a Mar del Plata para reeditar así el dúo con Martínez. Fue en esa época que el dúo grabó por última vez, con la dirección de Carlos García. Además, juntos participaron en la película “El canto cuenta su historia”.
En menos de dos años, Ledesma volvió a Neuquén. Esta vez, para siempre. En 1971 dirigió el ballet folklórico juvenil, auspiciado por la Dirección de Cultura de Neuquén. Más allá de su gran carrera como músico, Ledesma fue autor de numerosos temas. Entre ellos, la “Zambita de Neuquén”, cuya letra pertenece al ex locutor de LU5 Juan Carlos Passalacqua.
En Neuquén, recibió numerosas distinciones. En 1995 fue honrado por el Concejo Deliberante capitalino como ciudadano ilustre. Al mismo tiempo, Sadaic lo galardonó por su labor en la difusión de la música neuquina. En 2000 fue distinguido por la asociación Personajes de mi Ciudad. En aquel momento, cantó, tocó y hasta bailó con una ex alumna.
En esta provincia editó un disco: “Toda una vida”. “Le pusimos así porque quiso editar las canciones que nunca había grabado y que el trajo de otros lugares como Venezuela, Cuba y Puerto Rico, entre otros. Fue un orgullo hacerlo. Es que, en palabras de él, nunca las había grabado. Tuve esa enorme satisfacción, la alegría que don Víctor eligiera mi propuesta para su primer disco solista”, recordó Jorge Enei.

Cuando pase por su rancho,
muy cerca 'e la madrugada,
machadito con aloja,
¡lei' cantar una vidala!
Anoche, antes de dormirme
debajo e' un cielo nublado,
de pensar en tus ojitos
vi todo el cielo estrellado.

El adiós a Rodolfo Dalera, crónica de una partida-

Por S. M., El Jume

"Ya me han palpado de poemas y canciones, es por estas buenas razones que comunico que he decidido cambiar de vida justo el día de mi muerte".
Justo hoy estaba recordando esta frase de Lima Quintana. Con esa convicción y certeza de un ser transparente vivió Hamlet y también el que hoy nos deja: Rodolfo "Fito" Dalera. Un ser rebelde y tenaz, por momentos, como el decía, le salía “el ariano calentón” y por otros te robaba una sonrisa con un chiste o una anécdota de viejos y bellos tiempos.
Cantor, compositor, guitarrista, quenista, charanguista, bombista, sikurista y ejecutor de todo instrumento “soplable” (tal cual él pidió que pusiéramos en una gacetilla, allá por el ‘96).
Nació en Tres Arroyos, provincia de Buenos Aires, un 29 de marzo de 1931. A los 15 años se radicó en Tandil, donde trabajó como operador cinematográfico, y en cuyas cabinas aprendió la quena, el charango y la guitarra, mientras pasaba películas.
A los 24 años viajó a Capital Federal donde integró varios grupos folklóricos, entre otros: Waldo de los Ríos, Marta de los Ríos. Luis Alberto Peralta Luna, Margarita Palacios, Miguel Angel Trejo, Llajta- Sumac de Velárdez y Vergara, Hugo Díaz, Alberto Castelar, Atuto Mercau Soria, Facundo Cabral y el elenco del maestro Ariel Ramírez.
Creó el conjunto "Los Trovadores Cuyanos", y grabó discos como "Fito" Dalera.
En los ‘70 pasó a integrar el conjunto "Los Calchakis", en Francia, grupo que tuvo éxitos resonantes en todo el mundo, y con quienes grabó la música de la película "Estado de sitio", con Mickis Theodarakis e Ives Montand, dirigidos por Costa Gavras.
Con Los Calchakis recorrió innumerables países del mundo.
En el año 75 dejó el grupo "Los Calchakis" regresó a América y formó "Los Chaskis".
El nombre: en el milenario imperio Inca los encargados de llevar los mensajes desde el Cuzco a todos los rincones recibían el nombre de Chaskis; ellos eran quienes viajaban por el Real Camino de los Incas, llevando y trayendo las voluntad de los dioses y gobernantes, contando en las pequeñas aldeas indígenas historias y leyendas, y sirviendo de intermediarios entre uno y otro lugar...
Con este grupo, Rodolfo Dalera, desarrolló una sonoridad muy definida que pronto fue imitada en la región andina.
Ante todo, Dalera ha sido exponente y defensor del folklore latinoamericano. Son destacables sus colaboraciones discográficas con Roberto Carlos en el tema "El Humahuaqueño", carnavalito de Edmundo Zaldivar Hijo, y Los Enanitos Verdes en el tema "Lamento Boliviano". Su vínculo con otros géneros lo llevaron a tener una gran empatía con Luis Alberto Spinetta cuando el rockero declaró que en su casa se escuchaba mucho a Rodolfo Dalera de Los Chaskis.

Anécdotas y Recuerdos:
Creador: Además de ser creador de sus propios instrumentos y de algunos temas (el primero fue "La serranita") creo la primera fábrica de quenas en Tandil junto a Tito Véliz.
Margarita Palacios: Fue sin duda como la mamá de Fito. Grabó en el último disco de ella y fue una de las impulsoras de su carrera en sus inicios. La conoció en Tandil y junto a ella a Kelo Palacios (arreglador de varios de los grupos de Dalera)
Ultimas grabaciones: En el 2003 graba “La tierra noble” y en el 2005 "Ese río que va" (por el sello ByM) con la participación del Chango Farias Gómez, Kelo Palacios, entre otros.
Dalera Cuyano: Rodolfo Dalera fué uno de los recopiladores y difusores más importantes que tuvo la música cuyana. Llegó a tener un espacio en Radio Nacional Folklórica dedicada específicamente al género.
El Adiós: Dalera estuvo un par de años en México (desde el 2006 hasta 2009) donde pensaba con mucha ilusión radicarse en Santiago del Estero. Pero dos días después de cumplir 78 años fue intervenido quirúrgicamente, en el Hospital Fernández, por un cáncer de vejiga. Ésta y otras cirugías lo dejaron en coma, pero Dalera seguía luchando y lucido nos dijo el día del padre: "no se que va salir de todo esto pero hay mucho por hacer".
Mayo y Junio pasaron rápido entre amigos que iban a verlo y alentarlo (como Ramón Ayala y jóvenes músicos). Dalera iba empeorando por dentro. Su hijo argentino Luis Dalera se lo llevó a Benito Juárez. Fito quería estar más cerca de sus seres queridos, pero el afecto no pudo con el dolor y todo se complicó más aún.
El domingo 12 de Julio, a las 14 horas nos dejó Rodolfo "Fito" Dalera en el hospital Dr. Alfredo A. Saintout de Benito Juárez, ciudad ubicada a 400 km de la Capital Federal.
Sus ojos celestes brillaban con un faro aquel día del padre. Un hombre de la provincia de Buenos Aires que llevó por el mundo el camino del indio y esos vientos andinos, mientras su corazón latía con una cueca o una tonada y pensaba ver el atardecer de su vida en la madre de ciudades al son de una vidala. Mientras algunos nos quedamos pensando en la magnifica versión de "México de ayer" y tantos lamentos de amigos desparramados en la América profunda...
"Se acuerda del poema que le dediqué “El quenero” en mi libro “Guitarra” En el silbo de su quena/ toda la raza cantó/ desde el coro de las Ñustas/ hasta la muerte del sol... Siento que así como Nenette usted me espera, con los ojos pegaos a la huella". Lo abrazo, Paisano. Atahualpa (París, 13 de marzo del 86).

Río Pucará - de y por Rodolfo "Fito" Dalera

S.M. p/ El Jume.
Buenos Aires, 12 de julio de 2009

Adios a Horacio Castillo

Por Diego Vázquez Comisarenco
prensadvc@gmail.com

“Choque en cadena” fue la noticia que nos amaneció a los argentinos. El televisor de mañana, la radio en el viaje, un sitio de Internet. Pasaron las horas y la triste noticia no tardó en llegar: el accidente de la madrugada de niebla y humo en la ruta Rosario – Santa Fe, se llevó para siempre los proyectos y sonidos que proponía el guitarrista misionero Horacio Castillo. Un desconocido masivo, pero un (re)conocido cada vez más fuertemente en el universo de la música popular argentina. El mismo que acompañó a Liliana Herrero, Teresa Parodi, Raúl Barboza, Coqui Ortiz, entre muchos otros. El mismo que compartió juntadas sublimes como “La Tríada” o “Matereré trío”. Ese mismo gran Horacio Castillo, partía para siempre.
“Lo que más quisiera es que se conociera la magnífica música de Horacio. La justicia que podemos hacer con él es difundir su música. Gran persona, gran músico. Todo país finalmente es injusto con sus artistas, pero esta vez fue injusto sin quererlo. La música del litoral se ha privado de una de las guitarras más bellas. Uno comprende poco esta situación, es una muerte estúpida y de alguien que tenía miles de composiciones bellísimas. Ojalá Teresa Parodi algún día le ponga letra a la Chamarra de los chivatos y me gustaría ser la voz que la cante. Recordaremos su bella música para siempre”, recordaba entre llantos Liliana Herrero. No era para menos. En el mismo tono, la futura encargada de ponerle letra a esa chamarra decía: “Yo le voy a poner letra. Se la escuché tocar junto a Matías Arriazu y me pareció una melodía genuina y de hermosa construcción sólida. En el primer momento me pareció mucho pedirle que me dejara ponerle letra. Horacio tenía una virtud muy marcada: hacer melodías hermosas”, expresa Teresa Parodi y rememora: “cuando se comparte el escenario y el alma de la vida que es la música, cuando se la vive igualmente hasta el punto de conmoverse y se comparte eso se conoce al otro. Con Horacio teníamos una mirada y una complicidad el uno al otro en el escenario. Sabía quien era y lo admiraba. Tremendo instrumentista, tremendo compositor. Encontré un compañero, un ser extraordinario para compartir la música popular. Me conmoví mucho cantando una vez Primera Soledad, de Armando Tejada Gómez y Hugo Figueroa. Recuerdo que me llevó a una cuerda inolvidable, fue un momento tremendamente hermoso. Extraño su maravilla. Estoy muy triste. Uno siente rebeldía, injusticia. Más allá de la tristeza, uno no comprende. Me da mucha pena y bronca por nuestra música. Era mucho ya lo que venía dando y lo que venía a dar. No fue reconocido como se merece. Fue una pena que no haya sido conocido masivamente. El pueblo argentino se merece escuchar a estos músicos. No va a tener más que unas líneas muy chiquitas en los diarios”
Nacido en Posadas, Horacio en los últimos tiempos, viajó con su guitarra por Francia y recorrió gran parte de la República Argentina, llevando los sonidos de la música del litoral y otras regiones. “Es rarísimo. Parece que no pasó. Era un músico tremendo, los que lo vivimos y lo compartimos, lo vimos crecer todo el tiempo. Un tipo lleno de proyectos, de generar situaciones nuevas, sin especulaciones artísticas. Iba a venir al Chaco a terminar el disco que hicimos con Aledo Luis Meloni. Horacio dirigía los arreglos y venía con alegría por tocar con los muchachos. Tenía alegría cotidiana de tener la guitarra en la mano. Me escribía desde Francia y seguía pensando en arreglos. Era un tipo sencillo, con todo el tiempo del mundo, hinchando las pelotas con sus amigos. Mañana teníamos un fútbol y guitarreada con amigos. Era una síntesis de la guitarra del litoral, especialmente en este género marca un punto en la historia. Es una pena que suceda esto porque nos quedamos sin una escuela. Sabía a la perfección el lenguaje popular”, lo recordaba su amigo Coqui Ortiz, desde Resistencia, ciudad a la que tendría que haber llegado el micro Plaza accidentado en Santa Fe. Coqui lo fue a esperar a la terminal y pronto sus amigos le darían la noticia.
Proyectos, proyectos y más proyectos. Muchos de ellos se iban concretando en el camino, en las juntadas guitarreras, con noches litoral y otros caminos del país. Afortunadamente tengo el recuerdo pleno de verlo tocar con Coqui Ortiz (guitarra y voz) y Julio Ramírez (bandoneón y acordeón) en la sala Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional, disco que salió editado como “Raras partituras” a través de EPSA Music. Tengo el grato recuerdo de sus charlas misioneras, pausadas y con mucho afecto. No olvidaré jamás el sonido de Matereré Trío, que formaba junto a Mauricio Bernal (marimba) y Cacho Bernal (Percusión), y del cual quedó un disco hermosísimo que defenderán los Bernal. Al respecto, Cacho recuerda: “es difícil aceptar la condición lógica de la vida que termina en cualquier momento. Vivió sus últimos ocho meses a pleno y lleno de cosas. Estuvimos el miércoles pasado en Buenos Aires y grabamos un programa para el Canal Encuentro. Esa fue la última vez que estuvimos todos juntos. Grabó en Francia un disco más solo que no llegó a editar. Fue intachable a todo nivel. Fue mi hermano menor. Era un tipo talentoso como guitarrista y compositor. Gente como la que no abunda”.
El martes por la noche, los amigos músicos de la Universidad Nacional de Santa Fe, lo despedían en la explanada de la universidad. Luego de madrugada, lo trasladaban hasta Misiones y en la ciudad de Garupá, descansará para siempre, el querido Horacio Castillo.

Pombero - Horacio Castillo

Para conocer más de Horacio Castillo entrar a: http://www.horaciocastillo.com.ar/
Texto: Diego Vázquez Comisarenco
Fotografía: Alexis Kanter

Córdoba y Santiago del Estero presentes en las peñas de Palermo

"NOCHE CORDOBESA" EN LA PEÑA DEL COLORADO
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El Lunes, en La Peña del Colorado, se festejará el Aniversario de la Fundación de Córdoba con nuevos valores de la música cordobesa, como lo son Paola Bernal, Pablo Lozano y el Trío MJC.

"Ser cordobés es una elección, casi siempre definitiva. Es reconocerse en la melancolía del que mira el mar sabiendo que nunca le será propio, y la arrogancia del que sabe que sus rebeldías siempre fueron motor y memoria. Es vivir con vértigo de urbe y siesta de aldea. Es sentir la prosa magistral y el grito impúdico, con idéntica pasión. Es fútbol devaluado, tunga tunga y chicharrón. Es desandar peatonales, al ritmo de leyendas, apodos, cirujas y estudiantes. Es cantarle a la tierra, con la mirada en el cielo... Ser Cordobés, amigos, es un perpetuo estado de gracia." dice la periodista cordobesa Jackie Bini.
Entre los artistas que participarán de esta noche está la coscoína Paola Bernal quién en su reciente placa "Por el camino" cuenta con la producción artística de Roberto Cantos (Dúo Coplanacu) y con una orquestación tradicional: guitarra, bombo y bandoneón; y un puñado de canciones tales como "Piedra y cielo" (una obra casi inédita de Atahualpa Yupanqui), "Mi pequeño amor" (Ramón Ayala), "Qué pena" (Alfredo Zitarrosa) entre otros clásicos de Eduardo Falú, Jaime Dávalos, Hedgar Di Fulvio. Una propuesta donde se prioriza el sonido criollo cobrando un estilo fresco en la voz de esta joven promesa cordobesa.
También será de la partida Pablo Lozano, quién luego de tres trabajos discográficos y de haber logrado con su voz hacer clásicos como "Córdoba en otoño" ( Walter Galindez - Raúl y Fernando Montachini) y de traer "del álbum de la abuela" temas del Chango Rodríguez o Hedgar Di Fulvio. Lozano continúa presentando "Pan del agua", un CD donde fué por más, cruzó la frontera de su Córdoba natal, e invitó a referentes como Ramón Ayala e incursionó en ritmos latinoamericanos. Se destaca en la placa "Caballero de ley" ( Montachini) con la participación de Omar Cerasuolo.
Los Ganadores del Pre- Cosquín 2006 como Conjunto Instrumental: el Trío MJC (Martínez - Jaurena - Ciavattini) vienen pisando fuerte en la docta y por eso estarán también en esta noche. Su propuesta renovadora y con una formación de bandoneón, piano y vientos (flauta traversa y vientos andinos) los han llevado a realizar distintas giras por Europa y recientemente llegan de una exitosa participación en Brasil. Se encuentran presentando temas de su CD "Arreglos" y adelantando temas de su próximo CD. El trio aborda un repertorio sin prejuicios de tango y folklore (con algunos temas propios). Una revelación en el nuevo mosaico musical

"NOCHE CORDOBESA"
Lunes 6 de julio . 21:30 hs.
Entrada: $15

La Peña del Colorado (Güemes 3657, Palermo, C.A.B.A.) Reservas 4822-1038 http://www.lapeniadelcolorado.com.ar/
Producción: El Jume

NOCHES SANTIAGUEÑAS DE EMBRUJO Y LEYENDA EN EL EMPUJÓN DEL DIABLO

“…Noches santiagueñas para enamorar" dice la zamba de Leocadio Torres… Y para enamorar a los amantes del folklore y de la buena música en general, surgió esta propuesta de cuatro martes que comienzó el 16 de junio en la peña El Empujón del Diablo, de Palermo. Allí, ocho referentes de la nueva movida folklórica santiagueña establecida en Buenos Aires, se reúnen en un espectáculo tan único como la mística de su tierra. Así es como Demi Carabajal, Franco Ramírez, el Duende Garnica, el Cuervo Pajón, Dipi Carabajal, Los Hermanos Herrera, Pucho Ruíz, y Daniel Patanchón conforman este espacio de música popular de raíces comunes y caminos abiertos.
La presentación de dos de ellos por cada noche, la interacción natural que provoca la presencia de músicos amigos, y la magia salamanquera invocada, parece ser la combinación perfecta de cuatro noches para no olvidar.E
n el cálido reducto de Palermo, además de degustar las exquisitas comidas regionales que ahí se sirven, estos martes se podrá disfrutar de unos encuentros musicales imperdibles, empapados de poesía, coplas, leyendas, chacareras… algarroba, chañar y mistol.
El 7 de julio, será la última "noche de embrujo y leyenda" para disfrutar en El Empujón del Diablo. Daniel Patanchón y Dipi Carabajal son los artistas encargados de traer todo el embrujo salamanquero este martes a partir de las 21:00 hs, cerrando este ciclo.

PARA AGENDAR:
Última Noche de Embrujo y Leyenda: Martes 7 de Julio - 21:00 hs. En "El Empujón del Diablo" (Carranza 1969, Palermo, C.A.B.A.)
Valor de la entrada: $20. Capacidad limitada. Reservas: nochesembrujo@gmail.com
MÁS INFORMACIÓN: http://www.nochesembrujo.blogspot.com/
Producción: Melodi-k Producciones

El Fogón de Yupanqui, julio 2009

POR ALFREDO MATEO (Kusiya Producciones)

Una reunión de asuntos criollos

EN EL PAGO ENTRERRIANO NACI DONDE ALEGRE FLORECE EL CEIBAL, Y EN MI INFANCIA DE GAUCHO APRENDI, A ESCUCHAR DESDE NIÑO, LA VOZ DEL ZORZAL.
Rastreando la huella de los cantos perdidos por el viento, llegue al país entrerriano. Sin calendario y con la sola brújula de mi corazón, me tope con un ancho río, con bermejo barranco gredoso, con restingas bravas y pequeñas barcas azules. Mas allá las islas, los sarandisales, los aromos, refugios de matreros y serpientes, solar de haciendas chucaras. Lazo puñal. Silencio. Discrecion.Me adentre en ese continente de gauchos, y llegue a Cuchilla Redonda., desde Concepción del Uruguay. Llevaba un papel para Aniceto Almada. Y días después-hacen mas de treinta años- cruce por Escriña, Urdinarrain . Y fui a parar a Rosario del Tala.
Era una ciudad antigua, de anchas veredas, con mas tapiales que casas. Anduve por los aledaños hasta el atardecer, sin hablar con nadie, aunque respondiendo al saludo de todos, pues allá existía la costumbre de saludar a todo el mundo, como lo hace la gente sin miedo o sin pecado.
Al filo de la noche, penetre en la ciudad. La luz de las ventanas apuñalaba la calle. Algunos jinetes pasaban al galope, busque el mercado y entre a un puesto de carne.
Almada me había indicado a un hombre allí, don Cipriano Vila. Era un gaucho alto, fornido, medio rubión, de bigote entrecano. Había un grupo de hombres rodeando una pequeña mesa, paisanos y amigos de Vila. Bebían lucera y charlaban en voz baja, yo salude y me arrincone cerca de la mesa, nadie me miro dos veces. Hay un acuerdo tácito. Un entendimiento. Una voz de adentro que hace callar, y esperar y prudenciar. Y todo forastero debe conocer este código. Sobre todo si se es paisano. Ya no había clientes, y yo no compraba carne. Don Vila cerró su puesto, quitose el delantal y se me acerco.
- ¿como le va amigo…?
- bien, señor - le conteste.
El hombre sirvió un vaso de lucera y me lo ofreció. Bebí un poco y mire al dueño del puesto con gesto cordial. Al rato, don Vila , sabia quien era yo. Pocas palabras bastaron. Cerca del río Gualeguay, a dos leguas de Tala, me instale. Era un rancho típico, torteado de barro y cueros contra la humedad, en plena selva Entrerriana. Un año redondo pase en ese lugar. Salia a los caminos, recorría leguas, desde Lucas Gonzáles hasta la legendaria selva de Montiel. Asistía a las carreras cuadreras de Sauce Sud. A las yerras de puente Quemado, dejaba velas encendidas en el rincón de Lanza Vieja, respetando rituales tradicionales del lugar. Y siempre retornaba a mi rancho junto al río.
Don Cipriano Vila era de una sola palabra, como la mayoría de los entrerrianos. Un día me dijo –aquí le traigo un amigo. Confíe en el. Y me presentó a don Climaco Acosta. Estos dos hombres se ganaron un monumento en mi corazón.
HERMOSA TIERRA ENTRERRIANA, SIMBOLO DE REBELDÍA, VAS CURANDO EL ALMA MÍA, CON EL SOL DE TUS MAÑANAS.

Hasta la próxima, y que nos vaya bien a todos, paisanos.

Alfredo Mateo

Racimos "Fusión Cuyana" desde Guaymallén, Mendoza.

Originarios de Rodeo de la Cruz, Guaymallén Mendoza, "Racimos" nació a principios del año 2006 como inquietud de Juanci Moreno y Fabricio Rojas, ya que contaban con un buen puñado de composiciones propias, las cuales no eran difundidas por pertenecer a proyectos diferentes. "Decidimos comenzar a tocar en vivo nuestros temas los cuales tuvieron gran aceptación en los diversos eventos que se presentaron. A mediados de 2006 se incorporó al proyecto Emiliano Lopez y Exequiel Sandoval aportando sus conocimientos musicales y sus ideas dándole así al grupo, un aire renovado y actual", cuenta Racimos.
La temática del grupo se basa en la espontaneidad de las canciones propias y de autores de renombre como Félix D. Palorma, Astor Piazzolla, Atahualpa Yupanqui, "Cuchi" Leguizamon y artistas mendocinos, interpretando la música a su manera la cual denominan "fusión cuyana".
"En el repertorio se tiene como estandarte interpretar nuestra música y versiones de los artistas mencionados anteriormente, tanto temas instrumentales como temas cantados, por lo que creemos que es más honesto regalar algo nuevo y tratar de renovar el cancionero actual argentino" agregan.
Como hecho saliente, fueron distinguidos con una "mención especial" en el rubro música instrumental en Pre-Cosquín 2009 de la localidad de Las Heras, Mendoza. Racimos se ha presentado en distintos escenarios de la provincia mendocina: teatros, peñas, festivales, restoranes, fiestas privadas, eventos culturales en espacios abiertos, bares y en todos los lugares donde se pueda difundir nuestra música; actualmente se encuentran ultimando detalles del que va a ser su primer material discográfico a editarse por Bayres Music Bs. As.
En el 2009 Cosquín los vio pasar por varias de sus peñas, al igual que varios festivales de su provincia.

Escuchar: Cada vez - Racimos

Contactos con RACIMOS:
Juanci Moreno: (0261)156809465 / (0261) 4914298

Murió Eduardo Lagos

POR FERNANDO PEDERNERA
(Boletín Actividades Folclóricas www.boletinfolclorico.blogspot.com)

(27 de junio de 2009. BAF-RNA) El reconocido pianista falleció a los 80 años el viernes 26 de junio a las 23 horas.
Tenía 80 años y padecía Mal de Párkinson desde 2004. Por decisión familiar no se realizará velatorio ni ceremonia alguna.
“QUIERO QUE ME RECUERDEN COMO UN BUEN TIPO, Y COMO ALGUIEN QUE QUISO, Y SUPO, DIVERTIRSE. LA PASÉ TAN BIEN...”
Eduardo Lagos o “el Negro Lagos”, como lo llamaban sus amigos, nacido el 18 de febrero de 1929, le respondió así a la pregunta del periodista Diego Jemio en una entrevista publicada en febrero de 2006..
A los 8 años escuchó un tango por la radio, fue al piano y lo tocó. Bastó para que sus padres “que tocaban mal pero amaban la música” le pusieran de profesor al compositor Juan Carlos Paz, quien lo acercó a la música universal y le enseño a saborearla. Aunque fueron los Hermanos Ábalos los que lo hicieron disfrutar de las síncopas y de los colores del folklore.
Lagos vivía por y para la música, aunque también amaba la medicina. Fueron sus “dos mujeres”. Ejerció su profesión de médico oftalmólogo durante 47 años. Cuentan que además navegaba y había incursionado en el periodismo como crítico musical, lo que le valió que algún importante autor dejara de saludarlo por haber sido tildado de “monótono” por el experto.
Fue Asesor y Director Artístico de las Radio Municipal (1983-1986), Radio Belgrano (1969-1971), Radio El Mundo (1972) y Radio Nacional (1987-1988), y crítico de Música Popular, Folklore y Tango en el diario " La Prensa " y en las revistas "Folklore", "Gente" y "Atlántida" (1966-1972).
Cultivó la proyección folklórica por los años 50 y 60, cuando florecía lo que hoy reconocemos como Folklore Tradicional y cuando hablar de ello remitía poco menos que a ciencia ficción o futurismo. De ahí que al menos dos de sus discos (“Así nos gusta” –junto a Ástor Piazzolla, Hugo Díaz y Oscar Alem- y “Tono y Dominante” -junto a otro “seleccionado de cómplices”- fueran publicados más de tres décadas después de su grabación)
Supo decir que “el folklore ya estaba hecho y lo que se podía hacer por aquellos días, 1967, era “Música de Raíz Folklórica”, porque solo quedaba “hurgar en las esencias”. Entre otros conceptos también había advertido que por “falta de tiempo y estudio” no había folkloristas.
De esa época es la memorable versión de su chacarera “ La Oncena ”, con letra de Juan Goñi, junto a Mercedes Sosa, en voz, junto a Domingo Cura en percusión, Oscar Alem en contrabajo y Santiago Bértiz, el papá de Pepete, en guitarra.
Con respecto a la relación entre música y medicina explicaba que el principal punto de contacto era la comprensión del problema de los demás, “compenetrarse con el dolor de los otros”. Y explicaba que aunque la música era alegría para él, siempre había “contacto con el otro”.
De destacable humildad, confesó en aquella entrevista que nunca necesitó ni quiso ser famoso sino hacer música que le gustara a él; y que tampoco le interesó ser mejor compositor que intérprete ni al revés porque lo hacía para divertirse.
Y como sostenía que la palabra “compositor” le quedaba grande, reconocía nada más que tres canciones que podrían darle ese título: “La bacha”, “La oncena” y “Cuando los gauchos vienen marchando”.
Cuando lo llamaban adelantado, decía que le preocupaba que los músicos que así lo denominaban conocieran quiénes había sido Manuel Gómez Carrillo o José María Hoyos, porque entendía injusto que fueran desconocidos pese que “estaban parados sobre sus hombros”.
Antecesor de la improvisación musical y con un envidiable manejo de la armonía, se lo tenía como un renovador dentro de la renovación. Grabó 6 discos y participó como invitado en muchas otras grabaciones.
Grabó con Ástor Piazzolla, Hugo Díaz, Domingo Cura, Carlos Franzetti, Jaime Torres, Mercedes Sosa, entre otros.
Entre los discos que todo aficionado a la música debería tener aparece “Pianissimo”, grabado a cuatro manos con su gran amigo Oscar Alem en 1985, disco que fue reeditado en 2007 por el sello Gobi Music.
Entre otros discos también registró "Así nos gusta" (1969), "Pianíssimo" - A 4 manos con Oscar Alem, 1985, "Dialecto" - Con Jorge González y Pocho la Pouble , 1991, "Condimentos" – 1996 y “Tono y Dominante” – grabado en 1977 y editado a fines de 2008.
El maestro Eduardo Lagos tenía 80 años cuando “la dama de negro” lo pasó a buscar a las 23 horas del viernes 26 de junio de 2009 por su propia casa. Era el lugar donde había decidido permanecer cuando el mal de Parkinson lo afectó hasta impedirle tocar su amado instrumento y hacerlo padecer dificultades de motricidad, entre otras.
Dicen que a las puertas del cielo lo estaban aguardando “Hans Oreja” (seudónimo de Hugo Díaz), Domingo Cura, Pocho La Pouble y Ástor Piazzolla, entre otros. Y que, avisado por San Pedro de la peña que se estaba armando, el Altísimo volvió a plantearse si era en verdad Todopoderoso…

Foto: Gentileza de Silvia Majul.
Nota recomendada:: La realizada por el periodista Diego Jemio: http://www.clarin.com/diario/2006/02/17/espectaculos/c-00401.htm

Murió el pianista Emilio De La Peña

Por Fernando Pedernera
(Boletín de Actividades Folklóricas)
www.boletinfolclorico.blogspot.com

(Buenos Aires, 23 de junio de 2009. BAF-RNA) El maestro, declarado Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, falleció a las 18 horas del lunes 22 de junio, a los 79 años, a causa de un paro respiratorio, según relataron fuentes familiares. Se encontraba internado y recuperándose de un infarto, sufrido tres días atrás.
Sus restos son velados desde anoche en el Club Cultural Resurgimiento, Artigas 2262 (y Álvarez Jonte), en el barrio porteño de Paternal.
El pianista había nacido en Buenos Aires, el 15 de noviembre de 1929 y había comenzado a estudiar piano a los 14 años “porque a esa edad ya trabajaba en la industria”, de la que se reconocía como “un ingenioso más que un ingeniero”. Se formó íntegramente en el país.
Compuso innumerables y exquisitas obras y a la hora de interpretar cuentan que ejecutaba las propias y las de maestros sublimes como Aníbal Troilo, Héctor Stamponi, Pedro Laurenz, Mariano Mores y Horacio Salgán, y tantos otros.
Llegó a editar tres CD y se encontraba en proceso de finalización la grabación de su cuarto trabajo.
De enorme generosidad, se destacó como docente y era frecuente verlo rodeado de jóvenes que se nutrían de todo su saber. Entre sus últimas grabaciones seguro aparece “Buscando tu luz”, compuesta por De la Peña en dupla con M. Pellegrino, grabada a dos pianos el 16 de abril de 2009, con el multiinstrumentista Gustavo Nasuti, para su disco "Antiguas Presencias”, de reciente aparición.
Nos cuenta Santiago Giordano, periodista cordobés, en una nota que le hiciera al maestro Emilio de la Peña para Página 12 en ocasión de sus conciertos en Notorious:
“En sus clases, además de tocar temas como “Disonancias”, “Modulación” o “Armonía continua”, agrega materias como “Escuchar mucho y bueno”. Y finaliza el programa de enseñanza con una advertencia para los alumnos: “No olvidar que la música se divide en géneros, pero se une en un solo punto: la calidad”.
Y le decía el músico al periodista para cerrar aquella memorable tarde en su “aguantadero” de La Paternal : “Quisiera que el público se diera cuenta de que en el tango, en todos estos años, trabajé como un plomero”.
Dice Silvia Majul: “Emilio de La Peña despidió a su amigo Hamlet Lima Quintana llevando su alma del lado izquierdo, y compuso con él –entre 25 obras- el precioso candombe ‘Míreme pasar compadre’. Ahora Hamlet le estará franqueando la entrada al Cielo de los Grandes”.
Emilio de la Peña fue (es y será mientras podamos recurrir a las grabaciones que así lo acreditarán) uno de los más grandes exponentes de la música ciudadana.

Illapu: "La posición nuestra es plantear situaciones que son las que los pueblos viven y que podemos hacer canción"

El grupo chileno Illapu, se encuentra en nuestro país para presentar su material “Vivo” en Buenos Aires. “Estamos ansiosos por tocar, hace diez años que no hacemos un concierto en Buenos Aires” confiesan Carlos Elgueta y Roberto Márquez, previo a la entrevista, en la cual cuentan detalles de su espectáculo y rememoran y reflexionan momentos de su extensa trayectoria ligada a la canción latinoamericana.

El nombre “Illapu” alude al rayo, tercera divinidad de las culturas mesoamericanas. Muy marcados en un principio por la música andina, surgieron allá por 1971, mientras estaba Salvador Allende gobernando, en plena “vía chilena al socialismo”, en donde según Roberto Márquez: “Había una canción chilena, una poesía que estaba en pleno desarrollo”. El golpe militar del 11 de septiembre de 1973, hizo que Illapu interrumpa su actividad por casi un año: “Nosotros reiniciamos la actividad en el año 1974, cuando ya las cosas estaban menos peligrosas para los cantores, para hacer música” afirma Roberto. Si bien durante algunos años pudieron permanecer en Chile, luego de una gira por Europa, en 1981 el gobierno militar les prohibió el ingresó a su país, por lo que se mantuvieron exiliados, primero en Europa y luego en México por siete años. Al volver a su país, se encontraron un país devastado culturalmente y que aún hoy cuesta recuperar desde este punto.
Por eso hoy tienen como meta seguir recorriendo el mundo presentando “Vivo”, material que contiene una selección de temas de sus 21 discos editados. Esta vez la parada es Buenos Aires. Dice Roberto Márquez: “Vamos a presentar principalmente nuestro disco y dvd Vivo, que son un par de conciertos muy energéticos, que recogen los temas más emblemáticos de nuestra trayectoria”
- ¿Habrá invitados sorpresa para estas presentaciones?
Carlos Elgueta: En el Ateneo van a estar Víctor Heredia acompañándonos en una versión de la canción de él “Sobreviviendo”. También vienen “Los Coplas”, ellos nos acompañaron en Cosquín con el tema “Zamba de Lozano”, esto lo esperamos repetir en el Ateneo. Tú eres el primer medio que le contamos nosotros, pero hasta hace poco no había nada confirmado.
- Recién decían de repetir algo de lo que sucedió en Cosquín ¿Han sido muy bien recibidos allí este año?
Roberto Márquez: Si, Cosquín fue un abrazo increíble. La gente nos acogió de una manera muy cariñosa, nos ovacionaron. El público estaba muy ávido de ese encuentro entonces se convirtió para nosotros en una noche llena de magia.
- ¿En Chile pasa lo mismo con el público?
RM: Con nosotros pasa mucho eso que pasó en Cosquín. El público nuestro es un público que nos quiere mucho, que es muy participativo en los conciertos.
- ¿Por eso han decidido grabar este disco y dvd en Vivo?
RM: Si tú lo ves al dvd, es un concierto cuya idea es permitirle a la gente que vea detalles que no puede ver desde la platea. Es como si tu tuvieras la posibilidad de subirte al escenario mientras nosotros estamos tocando y estar al lado nuestro viendo todo lo que está pasando.
- ¿Y cómo se hace para recopilar más de treinta años de trayectoria en quince temas?
RM: Nunca es fácil. La verdad que es una lotería. Se ponen los temas que han sido más populares, los temas más importantes para nosotros. Pero una recopilación nuestra nunca va a ser completa, es más nosotros tenemos 21 discos, lo que hace más de 200 canciones, entonces hacer una recopilación es muy difícil.
- ¿Se sienten referentes de la canción popular latinoamericana?
RM: Es difícil hablar de uno mismo. Yo creo que tenemos un espacio, una palabra que decir, una forma de mirar la vida, una forma de plasmar eso en la música y en alguna medida eso te da un espacio en el continente
- Ese tener algo que decir, es algo que ha marcado la trayectoria de Illapu…
RM: La posición nuestra es cuestionar las realidades que vivimos, plantear situaciones que son las que los pueblos viven y que nosotros podemos hacer canción, hablar y decir desde un escenario y ese es el rol que nos damos. Nosotros no tenemos la fórmula mágica para resolver los problemas de América Latina pero si que somos muy cuestionadores de la realidad que nos toca vivir.
- Dice que la tarea de ustedes ha sido cuestionar y eso lo han hecho a lo largo de su carrera. ¿Mantener esa actitud les ha costado caro?, se tuvieron que ir de Chile mientras estaban los militares al mando…
RM: Pinochet decía que “éramos una mala influencia para la juventud chilena y que hablábamos mal de Chile en el exterior”. Nosotros no nos fuimos, a nosotros nos expulsaron de Chile en el año ‘81. Y nos expulsaron como grupo, porque somos un grupo que desde siempre ha tenido una postura frente a la vida. Bajo la dictadura teníamos que ser muy cuidadosos y utilizar las metáforas poéticas para poder decir sin decir. Los milicos veían en nosotros un referente que no era bueno para los jóvenes y que si bien hicieron muchas cosas para tratar de parar el grupo, nosotros igual funcionamos durante la dictadura. Nos hicimos muy populares en el año ‘76 con el “Candombe para José” y eso nos adentró en el corazón de la gente. Entonces la única forma de librarse de nosotros fue expulsarnos cuando veníamos de retorno de una gira en Europa. Nos detuvieron en el Aeropuerto y nos expulsaron de Chile.
CE: Tenían que inventar un pretexto. Esto del mal ejemplo para los jóvenes obviamente que lo fue. Pero el grupo siempre cuidó de las letras. En Chile en esos años había que hacer letras que le permitieran a la gente imaginar como fue lo que tú estabas diciendo. El trabajo que se hizo en las giras al exterior también siempre fue muy cuidado, porque el grupo tenía la tremenda oportunidad de salir y volver a entrar a Chile.
- Imagino que estando lejos de Chile durante el exilio afloraron varios temas nostálgicos…
RM: Nosotros mantuvimos este vínculo con nuestro país y con América Latina. De hecho hay dos discos que grabamos durante el exilio, uno en Europa y otro en México: “De Libertad y amor” y “Para seguir viviendo” temas que están muy ligados al devenir de América Latina y sin embargo nosotros ya estábamos exiliados. Eso porque estábamos muy conectados con la realidad de América Latina. En la música siempre hemos mantenido un norte muy claro y lo que ha ido pasando es que se ha ido acentuando distintas cosas en distintos momentos por distintas cosas que hemos vivido.
- Cuando ustedes surgieron en 1971 había un movimiento cultural en pleno crecimiento. Cuando volvieron del exilio ¿Con qué Chile se encontraron en materia cultural?
RM: En el momento del golpe se detuvo abruptamente todo el movimiento cultural que era parte de todo el proceso que estaba viviendo nuestro país. El asesinato de Víctor Jara, el hecho de que cantores fueran llevados a campos de concentración como Ángel Parra, hizo que haya un apagón cultural que duró muchos años. Además en Chile los primeros momentos de la dictadura incluso se prohibió la quena, el charango, la zamponia, todos los instrumentos que tuvieran sonoridades que asemejaran a la nueva canción. Cuando nosotros volvimos a Chile en el año 1988 nos encontramos con un país que estaba en pleno plebiscito, donde había un montón de gente haciendo música, el canto nuevo estaba en plenitud. En 1990 viene el ascenso a la democracia y mucho de lo que se venía haciendo en contra de Pinochet y todos los espacios que había para desarrollar cultura van desapareciendo de a poco. Paralelamente con la democracia se terminan un montón de espacios para la cultura y todavía no se ha vuelto a rehacer todo ese tejido cultural. En Santiago no existe una peña, no existe un lugar donde tú llegues y puedas saber que se está haciendo de nueva canción Latinoamericana en Chile, no hay espacios.
CE: Tampoco ha música folklórica en las radios y menos en la televisión.
- ¿Y por qué creen que eso ocurre?
RM: Porque Chile se ha impuesto una forma de mirar la realidad donde la música no tiene mucho lugar. Normalmente la televisión está llena de conversaciones, de chistólogos, de chismes, entonces dentro de eso cabe poco una buena propuesta musical, una propuesta musical que haga reflexionar, que haga pensar. Nosotros podemos mantener un espacio grande en lo que hacemos porque tenemos un gran respaldo del público.
- Chile ha parido grandes forjadores de la cultura latinoamericana muy reconocidos en todas partes, ¿eso también está estancado?
RM: De Chile han salido grandes como Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Violeta Parra, Víctor Jara, pero eso se ve poco en los medios de comunicación. Existen movimientos de poesía, de músicos pero son cosas muy subterráneas, hay poco incentivo por la cultura y por lo mismo no se ven nuevos Pablos Nerudas. Hay gente haciendo grandes esfuerzos por surgir pero creo que todavía necesitamos tiempo y necesitamos romper todas estas trabas que hay yo diría a nivel de medios de comunicación.
- Varias veces ya hemos nombrado a Víctor Jara, ¿Cómo tomaron la noticia de la encarcelación del asesino de Víctor Jara?
RM: Con Víctor ha habido una larga lucha por dar con los culpables. Hoy día a quien se está castigando y quién aparece dando una versión es un milico raso que estaba haciendo la colimba. Hay que tratar de dar con los que dieron las órdenes, quienes eran los que comandaban en ese momento la fuerza militar en el Estadio Chile. Eso ha sido una larga lucha, como la que se ha hecho para que al Estadio Chile se lo renombrará Víctor Jara. En Chile cuesta todavía reivindicar los nombres de Víctor Jara, de Violeta Parra, de quienes son los grandes nuestros.
- ¿Cuesta mucho eso en Chile?
RM: Todavía cuesta mucho. Hay que dar una larga lucha Eso porque hay poco cariño por lo nuestro, sobre todo poco cariño por la cultura popular. Es un camino que estamos haciendo, que sentimos que las nuevas generaciones empiezan a ver mejores aires.
CE: Yo pienso que si hay cosas que se empiezan a hacer 20 años después es porque no ha habido voluntad política tampoco. Los militares siguieron teniendo un poder impresionante en los primeros años de la recuperación de la democracia. Muchos de los culpables, siguieron estando y no han sido castigados. Pienso que los procesos de Derechos Humanos en Chile todavía no han tenido la rapidez que han tenido en otros países como aquí en Argentina por ejemplo, existe un repudio generalizado y allá no lamentablemente.
- ¿Y por que creen que ocurre eso en Chile?
RM: Chile sigue estando dividido, hay una gran parte de nuestro país que apoyaron la dictadura y siguen siendo parte de una derecha y justificando muchas de las cosas que se hicieron y no son pocos.
CE: A pesar de todo eso. Cuando los milicos estaban en el poder, tanto los argentinos, los chilenos, los paraguayos, etc, hicieron sus acuerdos y funcionaban como reloj. La Operación Cóndor, que es por todos conocidos. Ellos hacían intercambios de detenidos y sin embargo ahora todos los gobiernos del cono sur, estamos en democracia pero no ha existido la voluntad política de todos esos gobiernos para enjuiciar y aclarar todos esos casos, eso es una tarea pendiente que aún existe.
La amplia visión y el compromiso que como artistas tienen con la realidad generan constantemente nuevos desafíos en ellos, aunque hoy tienen toda su energía puesta en los shows que presentarán en Argentina: “Estamos en Argentina, estamos recién partiendo, estamos después de 35 años como estábamos en Chile a los comienzos y la verdad que tenemos las mismas ganas. Sentimos que hay una puerta que se abre donde nuestra canción puede tener un espacio, donde podemos compartir con músicos y gente que admiramos del cancionero argentino. Son siempre desafíos a los cuales estamos abiertos. No cuestionamos el hecho de venir y empezar de nuevo porque es como se hace. Hay países en América Latina donde no hemos estado. En Brasil hemos estado dos veces y el público nos conoce casi nada, hay mucho por hacer todavía. Además sentimos que nuestra canción tiene sentido tanto en Chile como en cualquier país de América Latina” dice Roberto Márquez y agrega: “Desde lo musical, estamos en constante búsqueda, la verdad que hemos tocado una gran cantidad de instrumento. Estamos siempre muy abiertos a la búsqueda de instrumentos y de ritmos, somos muy inquietos”. Carlos Elgueta continúa: “Siempre las inquietudes nuestras se dan cada vez que vamos a distintos lugares. En Venezuela, cuando fuimos la primera vez nos metimos en lugares donde el cuatro era la cosa más tradicional, a lugares donde estaban los Luthiers y convivimos con ellos varios días para aprender las formas. En Australia también con el didjeridú, al invitar a aborígenes a tocar con nosotros en un concierto en el Opera House de Sidney, luego nos enteramos que esa fue la primera vez que un aborigen australiano tacaba allí. Son cosas que hacemos y que nos motivan fuertemente y que siguen siendo motor del grupo”.
Un motor que se sigue alimentando de diversas motivación y que ya está a punto para ponerse en marcha en los escenarios de Buenos Aires.

Homenajes a Güemes en Salta y Vaqueros

Por Rubén Gobetti (desde Salta)
http://www.imagenesdelfolclore.blogspot.com/

VAQUEROS LE CANTA A GÜEMES
El 16 de Junio, en la localidad de Vaqueros, se realizó la 10ª Serenata al Héroe Gaucho "Vaqueros le Canta a Güemes"

Por el escenario desfilaron: Sakta, El Grupo Siembra de Vaqueros; Nicolás Joel López, un chico salteño que además de cantar bien, mostró un notable desempeño sobre el escenario; Marcela Ceballos, la joven cantora, que viene trabajando duro y recorriendo los escenarios de su provincia y del país. Kutimuy acompañado de un Ballet donde la danza se unió a la música; Los Arrieros de Salta, conjunto salteño, bien reconocido, con su tradicional estilo; Los Huayra, en espectacular a la actuación, que provocaron el alborozo de los concurrentes con un repertorio variado y con ganas de sacar su 3er disco; Pastor Luna, santiagueño y considerado el rey del chamamé. El Chaqueño Palavecino, que brindó un espectáculo de primer nivel invitando a compartir el escenario a Los Ceibales, con un tema en homenaje a Güemes, luego convocó a Los Huayra, dos Nocheros, Mario y Alvaro Teruel, Juan Carlos Díaz Cuello, Nicolas Joel Lopez, y los todos los grupos que ya se habían presentado, “juntos”, interpretaron temas bien de Salta, entre los que se destacó uno especialmente dedicado a Don Juan Balderrama, presente en el lugar con su familia y logrando una fiesta verdaderamente salteña. Coroico, el ascendente gupo jujeño tuvo a cargo del cierre del festival.
Desde ya que Güemes tuvo su homenaje a y las 00:00 hs., se entonaron las estrofas del Himno Nacional. Una multitud colmo el predio, quedó mucha gente sin poder entrar y siguiendo el espectáculo desde afuera, “les pedimos disculpas y agradecemos también a ellos por estar, pero por razones de seguridad es imposible poder ingresar” acotaron los presentadores del festival.La fiesta de Vaqueros ya se ganó la denominación de "grande" dentro del circuito de los festivales folclóricos nacionales, el objetivo se cumplió y eso nos llena de orgullo", aseguró Marcelo Sarmiento, responsable de la organización.

LA GUARDIA BAJO LAS ESTRELLAS EN SALTA

La ceremonia en honor a Martín Miguel de Güemes, el máximo héroe salteño, por el 188 aniversario de su muerte comenzó el martes 16 a la noche, con los tradicionales fogones y la Guardia Bajo las Estrellas. La vigilia en los fogones y la Guardia, la realizan gauchos de fortines del interior salteño, al pie del monumento a Güemes, en la que las agrupaciones gauchas se reúnen alrededor de fogones hasta las primeras horas de la madrugada, durante las que surgen espontáneas expresiones folklóricas.

La Guardia, se extendió hasta miércoles 17 con los actos oficiales que encabezó el gobernador Juan Manuel Urtubey, y el desfile cívico militar al pie del monumento a Güemes, con la participación de más de 60 fortines agrupaciones de todo el territorio salteño.
El Gobernador desfiló vestido con el ropaje tradicional de los gauchos.También una de las máximas figuras de la música popular argentina, el Chaqueño Palavecino, sorprendió a todos, sumándose al desfile. Un año más se honró la memoria del héroe salteño

Más información, más detalles y más fotos en: www.imagenesdelfolclore.blogspot.com (recomendamos entrar para ver la información más completa con muchísimas imágenes de ambos eventos)

Una noticia triste en el mundo del charango

En la Ciudad de La Paz, Bolivia, el 14 de Junio en la madrugada ha fallecido el gran Maestro del Charango, investigador, compositor, Fundador de la Sociedad Boliviana del Charango, Arquitecto William Ernesto Centellas.

Foto tomado por Abel Hurtado en su despedida de Sucre para la Paz hace 2 semanas

William Ernesto Centellas nació en Sucre, Bolivia, el 6 de marzo de 1950. En Noviembre del año 1967 participó en el Festival de la Canción Boliviana ocupando el 4to. puesto como solista instrumental. En 1969 obtiene el 1er. Premio “Inti de Oro” categoría Solista Instrumental Charango en el 2do. Festival Folclórico Nacional Universitario, realizado en la ciudad de Cochabamba.
Arquitecto de profesión, miembro fundador de la “Sociedad Boliviana del Charango” (S.B.C.) La Paz , 1973. Presidió el Primer Congreso de Charanguistas realizado en la ciudad de La Paz del 20 al 24 de junio de 1973 y fue el Primer Presidente de la S.B.C.
El maestro Centellas ha modernizado la técnica del charango marcando una nueva etapa que le permitió muchos admiradores. En el año 1973 la Sociedad Boliviana del Charango y el Instituto Boliviano de Cultura le otorgaron el título de Maestro del Charango. Fue coordinador general del Segundo Congreso Nacional de Charanguistas y del Primer Encuentro Internacional del Charango, realizado del 2 al 11 de octubre de 1997 en la ciudad de La Paz, asimismo del Tercer Congreso Nacional de Charanguistas y Segundo Encuentro Internacional de Charango, efectuado en la ciudad de Potosí en 1999. Su charango Maravilloso y uno de los primeros en el mundo estuvo por Europa en varias oportunidades, sobre todo en España , Suiza y Alemania. En todos los continentes tiene sus seguidores quienes lo quieren y lo respetan brindándole todas las atenciones y cariño.
"(...) Este extraordinario ejecutante del charango, compositor, innovador, nos comenta; 'El charango es mi amigo, mi compañero, en las buenas y en las malas. Sus notas musicales llenan mi ser y me transportan en un mundo de ensueños….inmaterial, puro; donde la música es alimento del espíritu. Cuando rasgueo sus cuerdas me parece estar dentro de una cascada de agua o en un río que corre por entre peñascos y me olvido de la vida. Es como soñar profundamente pero despierto'" (periodico Presencia de 30 de mayo de 1976).
"El idiófonos que bautizó con el nombre de tonkoro, es una invención suya, que es nada menos que un llok ’allito que se le hace cantar a cocachos." (Del libro El Charango de Ernesto Cavour)

Por Alfredo Coca Antezana
Presidente Sociedad Boliviana del Charango

Orlando Vera Cruz, de Santa Fe al Ateneo

La proyección de un video, de pájaros, ríos y otros paisajes costeros, hizo de introducción a la historia de Orlando Vera Cruz, mientras “Costera, mi costerita” sonaba de fondo, el viernes 12 de junio en el Ateneo. “Buscando una esencia para el nuevo canto. Música de aguas, de nubes y pájaros. De indios y gringos, de una misma raza” pregonaba la narración que acompañaba el video, que finalizaba diciendo “Santa Fe esta noche canta”, como anticipando lo que sería la actuación de este cantor santafecino en el Ateneo.
Desde lo simple, Orlando Vera Cruz, logra “traer las canciones de su aldea”, de su Santa Fe, con exponentes en la poesía como Julio Migno o José Pedroni. La historia de “El Liborio” y su mujer o “Costera, mi costerita”, son ejemplos de esta manera que Vera Cruz tiene de trasladar las historias de su Santa Fe, pago por el que siente un profundo amor, como todo el que ama su lugar, y lo demuestra en canciones como “Punta Cayastá”, “El Liborio” o “Provincianía”.
El compromiso en las letras, es otra de las características que ha trazado la carrera artística de Orlando, silenciado en épocas de la dictadura. Así lo mostró también en el Ateneo con temas como: “La langosta”, “La miel”. “Canción del jornalero” o “El río no es solo eso”.
El ser criollo y la conciencia de nuestros antepasados es otra de las cuestiones que defiende desde su canto. Como en “Pilchas gauchas” o “Indio”, por citar algunos ejemplos. Ácido y con mucho humor supo con sus comentarios complementar los poemas y las canciones. Marito Pagura, su acordeonista, le cebó unos mates a mitad del espectáculo y allí dijo “Si los Sioux hubiesen tomado mate en lugar de los Güaraníes, el mundo entero tomaría mate”
Con Mario Pagura acompañándolo en acordeón. Con ballet invitados, Hugo Casas y con Efraín, rafaelino (ex Dúo Girasol) la actuación fue tomando distintos matices dados por estos invitados. También una inmejorable versión de “Costera mi costerita” junto a la misionera María Ofelia, marcaron importantes momentos en la noche.
El fundamento en sus canciones, su testimonio, su forma de protestar y hacerse oír, con poesía en vez de insultos, hacen que Orlando Vera Cruz siga siendo un exponente del canto criollo y de la poesía y música santafecina.

Texto: Pablito Piris
Foto: Agustín Nanni

Bruno Arias cerró el ciclo de folklore en Victoria

Durante cuatro viernes, el Teatro Martinelli de la localidad sanfernandina de Victoria cobijó noches llenas de folklore. Jóvenes artistas de la zona de gran proyección como Sincopado, Gonzalo Olivera y Wankani fueron los protagonistas de las tres primeras jornadas. El viernes 5 de junio, el jujeño Bruno Arias cerró este ciclo trayendo consigo la cultura de la Puna.

Con diferentes propuestas y estilos, Sincopado, Gonzalo Olivera y Wankani, matizaron este ciclo de Folklore en las noches de Victoria. El cierre de este ciclo, no estuvo a cargo de un artista local, sino que como invitado vino el jujeño Bruno Arias a plasmar su proyecto artístico sobre el escenario del Martinelli.
Carnavalitos, bailecitos, huaynos y motivos populares característicos de la Puna, pintaron quebradas y valles en Victoria, una región que supo ser una verde llanura antes de ser tapada por el asfalto y que se construyó como ciudad al ritmo de la actividad ferroviaria. Así es como Bruno inicio un viaje a la tierra que acunó a músicos como Carlos Guanuco, Ricardo Vilca, Máximo Puma o Barrojo. “Estos grandes de la Puna se nos están yendo y dejando huérfanos a los músicos que venimos, por eso es importante recordarlos y aprender. A veces en vida, nosotros los jóvenes no los sabemos aprovechar y ellos nos ayudan a encender la lamparita de nuestras ideas” dijo Bruno en referencia a ellos.
“Quebrada de sol y de luna” de Ricardo Vilca, “La copla baja del cerro” de Barrojo y Morón, “Camino hacia la Puna” de Barrojo, “Copla del cantor” de Temer y Pachi Alderete, “Cóndor vuela” de Puchades Dulón y Carretero, “La zamba de los mineros” de Jaime Dávalos y el Cuchi Leguizamón, “Digo la Telesita” de Marcelo Mitre, “Guanuqueando” de Volodarsky y Ricardo Vilca y “Charanguito” de Ana Céspedes y Javier Ángulo, fueron algunas de las estaciones de este viaje imaginario que llevó a los pasajeros del Martinelli desde Victoria hasta la Puna.
A puro ritmo, con la gente que no quería irse, Bruno interpretó “Ella baila sola” y “La vi por vez primera” antes de despedirse. El jujeño, sigue confirmando en cada actuación porque es uno de los artistas jóvenes de mayor consideración dentro de la música de raíz, sabe combinar su espontaneidad, con la poesía y la música; y a su vez crear un clima festivo sin descuidar lo anterior.
Aunque la gente no acompañó masivamente este ciclo, es interesante que se creen espacios para difundir la cultura nuestra con artistas de la zona e invitados que presenten proyectos musicales bien elaborados.
Esperemos que este tren de la cultura vuelva a realizar sus viajes pronto, y que tal como los trenes que salen de los galpones ubicados frente al teatro, estén siempre llenos de pasajeros, gustosos de disfrutar de estos espectáculos.

Texto: Pablito Piris
Fotos y diseño de diapositivas: Rubén Gobetti

El Chango Spasiuk presentó Pynandi en el Teatro Coliseo

El viernes 5 de junio el Chango Spasiuk realizó la presentación oficial de su nuevo trabajo “Pynandi”, Los descalzos, el octavo disco en su cosecha, a sala llena en el Teatro Coliseo. El Chango entró en medio de una ovación vestido de negro, tomó asiento rodeado por su banda que estaba distribuida a lo largo del escenario, colocó el tradicional poncho rojo sobre su falda para apoyar el acordeón y comenzaron a tocar “Señor O”.
En otros conciertos habló un montón con su público, entre tema y tema, pero esta vez junto a sus músicos Sebastián Villalba (guitarra y voz), Marcos Villalba (cajón, percusión, guitarra y voz), Víctor Renaudeau (violín y viola), Helleen De Jong (Violonchelo) y Juan Pablo Navarro (contrabajo) realizaron seis interpretaciones seguidas sin parar como “Tierra colorada”, “El camino”, “Infancia”, “Tío Marcos” (hermano de su padre con el cual aprendió a tocar la acordeón a los nueve años), “Doña Fidencia”, que era una de esas vecinas con la cual se escapaba y se trepaba a comer frutos de los árboles, “Panambí” que significa mariposa.
Spasiuk eligió el nombre del disco porque proviene del Guaraní que significa pie descalzo y esa imagen lleva al músico a situaciones de su niñez donde hacía mucho calor, un lugar como Misiones donde él, seguramente, se sentiría despojado y libre. Si partimos de la premisa que señala que el hombre es feliz cuando se puede expresar con lo que hace, podemos dar cuenta que el Chango es feliz sobre el escenario. La libertad que sentía del aire en sus pies la transformó para construir su propio mundo donde vuelve a traducir en sonidos sus recuerdos de infancia entre inmigrantes.
Recién terminadas estas canciones, habló: “Voy a presentar al primer invitado de la noche, se llama Héctor Chávez”, y juntos hicieron el “Viejo Caballo Alazán” que cuenta cómo un hombre grande está pensando como era su caballo y su niñez, pero en realidad está extrañando como se ve el mundo a través de los ojos de un niño. También tocaron “Canto de mi raza” y más adelante presentaría a Tilo Escobar para que haga “La ratonera”. Bob Telson, el autor de la canción de Bagdad Café, productor del CD, entró para sentarse en el piano para interpretar “Sólo para mí”.
Las clásicas demostraciones de afecto del auditorio como siempre se hicieron escuchar en gritos como: “Vamos Piazzolla del chamamé o Tesoro nacional de los argentinos”.“La otra vez en este teatro escuché un cuarteto de cuerdas sin micrófono así que no veo por qué nosotros no podemos hacerlo”, decía el Chango antes de invitar a sus músicos para que lo acompañaran al borde del escenario dónde hicieron “Libertango”, de Piazzolla, para culminar una noche cargada de sensaciones auditivas.

Por Guillermo Chulak
Fuente: www.folkloreclub.com.ar

Canto y poesía en Palermo con Edith Rossetti

Edith Rossetti abrió el jueves 4 de junio un ciclo que la tendrá como protagonista de todas las noches en el Velma Café. En la primera, Edith, presentó canciones de sus dos discos “Allpa Kaspi” y “Al pie del viento” y además otros inéditos.

El poema “El canto del viento” de Atahualpa Yupanqui, en la voz de Alfonso Nassif abrió la noche. “El Ballet Nehuén” puso forma a la poesía, como antesala de lo que luego presentaría Edith: una noche dedicada a la palabra, la poesía, la música y la danza, distintas expresiones de lo nuestro.
Con invitados como Melania Pérez, para cantar la zamba “Coplas de la vida” de Icho Vaca y Jorge Díaz Bavio y Bruno Arias con quién cantó la “Huella de ida y vuelta”, además del “Ballet Nehuén” que hizo varias apariciones en danza, Edith aprovechó para presentar varias de sus canciones.
Por medio de ellas se hicieron presentes Don Sixto Palavecino, Alfredo Ábalos, Felipe Corpos, Ponciano Luna, Atahualpa Yupanqui, Ricardo Nervi, Edgar Morisoli o El Bardino entre otros. Porque como aseguro Edith “primero está la palabra”. Esta afirmación puede ser claramente confirmada al escucharla cantar. Su suave voz, nos lleva a escuchar con atención lo que canta y si eso es acompañado por textos, poesías o simplemente historias, tal como lo hizo, además nos hace entender cada obra y el hilo de su obra. Edith sabe cantar y contar al mismo tiempo, porque cuando canta con su claridad nos está contando lo que interpreta.
“A Don Ponciano Luna”, “Hermano Coplero”, “Coplas del Valle”, “La añoradora”, “Zamba del río robado”, “La Pampa es un viejo mar”, “Salavina” o “Verde Romero” son algunas de las obras que interpretó.
El público, entre los estaban Víctor Heredia y el arpista paraguayo Francisco Giménez, pudo disfrutar de un espectáculo íntegro, bien armado y de una artista que sabe llegar a la gente a través de la palabra y el canto, con un trabajo que contempla la difusión de nuestra cultura por sobre la espectacularidad. Virtud, que logra llegar a las fibras más íntimas y no quedarse en la superficialidad. Es por todo eso, que el público, premio a Edith con un interminable aplauso.
“… Entonces habremos conocido palabras que nos nombran desde el fondo de los tiempos, con un profundo conocimiento de nuestra Tierra, de la Madera de la que estamos hechos y de todas esas voces que el viento trae y lleva, en mi voz también, hacia el futuro”, palabras de Edith, que resumen lo que el espectador percibe.

PARA AGENDAR
El ciclo continúa todos los jueves de junio en el Velma Café (Gorriti 5520, C.A.B.A.). En las cada noche habrá invitados, entre los que estarán Jorge Gordillo, José Ceña, Patricia Lamberti, Roberto Yacomuzzi, Libresur, Oscar García y Héctor Díaz entre otros.

Los Novas: "Queremos brillar con luz propia"

“La Nova es una estrella enana que por una fusión en el núcleo explota y brilla más que cualquier otra con luz propia. Cuando muere da vida a otras estrellas” explica Lucas Caraso, quién habla en nombre de todo el grupo y agrega: “El significado nos agradó muchísimo y justamente es lo que nosotros queremos. Brillar con luz propia. Hacer un sonido propio y ser Los Novas, que nos conozcan por lo que hacemos.”

Con esta premisa, surgidos de Villa Constitución y Rosario, al sur de la Provincia de Santa Fe, Los Novas: Lucas Caraso, Ariel de Avelenda, Juan Manuel Quiroga y Santiago y Lisandro Tulín, desde hace más de tres años, se encaminaron en una búsqueda que les de una identidad propia. Dicha búsqueda concluyó en su primer material: “Indicios” lanzado al mercado para fines de octubre del 2008.
- En su primer disco, “Indicios” hay varios autores y ritmos, autores latinos incluso ¿Cómo fueron armando el repertorio?
El disco empezó a programarse dos años antes, porque nuestra meta era hacer un material en donde nosotros podamos plasmar un sonido propio. Eso nos llevó a una búsqueda y a una pre producción de dos años.
Dentro del repertorio hay dos canciones de Mario Álvarez Quiroga. A él lo conocimos en Cosquín, se interesó en el proyecto y nos apoyó siempre. Profundizamos la relación en Baradero. Posteriormente nos invitó a su casa y nos mostró varios temas de los cuales luego grabamos “Mi silencio” un huayno y “Vaya a saber para que” que es una chacarera.
Además hay composiciones nuestras, de Juan Manuel Quiroga con Silvia Mugica, de Juan Manuel y Lisandro Tulín, Lisandro y yo (Lucas Caraso), mías, de Ariel de Avelenda.
Hay temas de Mariah Carey, una balada. Nosotros creemos que no está desentonado con lo que es respecto al sonido del disco porque tenemos una influencia muy grande de todo lo que es Latinoamérica, porque en nuestra zona estamos muy influenciados con lo que es el rock, el pop. Estamos cerquita de Rosario, una ciudad con mucho rock-under. Eso se mama de chico tanto como el folklore y todo nuestro disco y todo nuestro trabajo tiene que ver con eso, con una fusión de rock, pop, latino sobre el folklore. El producto esta bueno, a la gente le llega, pero sobre todas las cosas porque es lo que nosotros sentimos no fue buscado de una manera intencional, sino que en la búsqueda de esos años fue surgiendo solo porque era lo que cada uno siente y tenía para dar.
- Teniendo en cuenta la influencia de esa amplitud musical y a que ustedes tienen composiciones propias ¿Quiénes son sus referentes?
Para darte una idea admiramos al Cuchi Leguizamón, a Atahualpa Yupanqui, a Manuel J. Castilla, y por decirte de otro género a Marc Anthony, a Estefano, a Quique Santander.
Nosotros nos valemos mucho de compositores como Peteco, Mario Álvarez Quiroga, el mismo Jorge Rojas, que es de la camada nueva y que nos dio una mano muy grande en la elección del repertorio, siempre nos aconsejó para bien, realmente es un amigo al que nosotros cuando tenemos una duda podemos consultar.
Nos gusta desde Ricardo Arjona a Mario Bofill. No tenemos una pared que diga no, me dejo influir solo por esto, al contrario, nosotros queremos abrir ese espectro pero para propio crecimiento y porque es algo que sentimos. A nosotros nos encanta cantar una chacarera, una zamba como nos encanta cantar una balada.
- ¿Fue fácil encontrar esa identidad dentro de esa variedad a la que hacés referencia?
Cuando empezamos a hacer música de chicos está todo la influencia de lo que fue la trova rosarina, de Fito Páez, de Baglietto, de Jorge Fandermole. Entonces tenés una mezcla muy linda y a la vez muy amplia, con una musicalidad muy grande. Cuando estamos en Los Novas, la búsqueda fue difícil y a la vez se fue dando. Difícil porque si bien sabíamos donde queríamos apuntar no le encontrábamos la vuelta y fuimos armando temas, canciones de distintas maneras y eso fue lo que nos ayudó. Todo eso terminó desembocando en este trabajo final, por eso se llama "Indicios". Porque todo lo que nosotros fuimos trabajando fueron indicios hacia el sonido que hoy presenta el disco.
- Si bien este es su primer disco hace varios años que la gente los conoce de los festivales…
Si es verdad. A veces uno no se da cuenta de la dimensión. Empezamos a mirar en Internet, en foros y todo eso, los comentarios y demás y la verdad que es muy lindo que hoy por hoy Los Novas sea un nombre conocido. No sé si mínimamente o a mayor escala, sinceramente no tengo dimensión de eso, pero si de que hoy donde vamos una cierta cantidad de gente ya nos conoce.
- ¿Qué se va a encontrar la gente que compré el disco?
Un material muy bien trabajado, muy bien logrado, por la gente con la que se trabajó. Le pusimos mucho esfuerzo, mucha dedicación y es algo que sale de nuestros corazones este sentimiento por la música y de ahí sale el sonido. Se trabajo con gente de primer nivel y tiene un sonido Nova.
Si bien, Lucas admite que ya están pensando en nuevas producciones, primero quieren explotar al máximo la difusión de “Indicios”. Por eso Los Novas vienen de presentar su disco en distintos festivales y en diversos puntos del país. El mes pasado lo hicieron en Villa Constitución y en junio lo harán en Capital Federal y en Casilda (Santa Fe). Lucas nos adelanta algo: “es un show de dos horas donde trabajamos muchísimo. Está trabajado principalmente sobre Indicios, pero además sobre otras canciones de folklore popular. Quienes vayan se van a encontrar con un show bien ampliado de Los Novas si es que alguna vez nos escuchó o nos vió y queremos transmitírselo a todos."
- Yo los he visto, y debo admitir que tienen un buen público femenino…
Si esta bueno… (risas) No puedo decir mucho. Pero si gracias a Dios. Nosotros juntamos mucho público en general, quizás se dio porque nosotros le cantamos mucho al amor en general desde lo simple de la vida o desde un romance y esas cosas por ahí le llegan más a las mujeres. Pero hay muchos chicos y gente grande que nos sigue… Esta buena la observación (risas)